Die Violin-Geschwister Marie-Luise und Christoph Dingler treten gemeinsam als „The Twiolins“ auf und präsentieren „Eight Seasons Evolution“ mit den vier Jahreszeiten von Antonio Vivaldi und einer gemischten Auswahl an Tangos von Astor Piazzolla, jeweils arrangiert für zwei Violinen von Christoph Dingler.
Die Idee, Piazzolla und Vivaldi zu kombinieren, ist nicht neu; die Konstellation liegt auch nahe angesichts dessen, dass Piazzolla selbst Vier Jahreszeiten komponierte und diese mit thematischem Material aus Vivaldis Violinkonzerten versah. In dieser Konstellation wurden die „Acht Jahreszeiten“ auch mehrfach eingespielt, wobei ich besonders die tief empfundene, innig jubilierende Einspielung Liv Midgals mit dem Deutschen Kammerorchester Berlin wie auch die rassige, triumphierend groovende Aufnahme Lavard Skou Larsens mit den Salzburg Chamber Soloists schätze, die beide 2016 erschienen sind.
Doch da The Twiolins sich auf das Banner schrieben, neudenkerisch zu sein, können sie die vorhandenen Werke nicht so stehenlassen, sondern ersetzen Piazzollas Jahreszeiten durch elf Tangos, die je zwischen die Vivaldi-Sätze geklemmt werden. Zudem arrangierte Christoph Dingler Vivaldi für ihre Besetzung.
Das Thema Evolution wird ansonsten nicht weiter tangiert. Die Aufnahmen sind nämlich keineswegs sonderlich eigenwillig, neumodisch oder individualistisch, sondern im Gegenteil glatt gebügelt ohne sonderliche Ausreizung der Kontraste oder der schon bei Vivaldi abenteuerlichen Klangeffekte. Einen Grund für die Modernisierung dieser Meisterwerke würde ich ohnehin nicht sehen, da schließlich kaum jemand überhaupt die Modernität des Originals näher zu betrachten scheint: Die bereits erwähnte Aufnahme Lavard Skou Larsens gehört zu den ganz wenigen, die die für damalige Zeit nahezu futuristisch anmutenden Klangeffekte stimmig zu vermitteln weiß. Diese fehlen jedoch vollkommen in der Darbietung der Twiolins. Und auch ansonsten findet sich nicht viel, was bemerkenswert oder spannend wäre, die Aufnahme tröpfelt recht ereignislos vor sich hin, fasern die Form in thematische Abschnitte auf und stützen sich beinahe ausschließlich auf die berühmten Melodien und einige ruppigere Abschnitte. Piazzolla mag ebenso wenig begeistern, es kommt kein Groove auf und jede Art des Temperamentvollen, tänzerisch Beschwingten fehlt. Piazzolla beweist in seinen Kompositionen beachtliches Gespür für ausgewogenen Klang, der in jeder Besetzung umsetzbar ist, wägt die aufkommenden Stimmungen wohl ab und weiß, diese am richtigen Moment aufzubrechen. Die Essenz des Tangos bewahrend, bezieht er Elemente der zeitgenössischen Musik mit ein, moderne Effekte und herbere Dissonanzen, neue Modalitäten und formale Gestaltungsweisen. Dies musikalisch zu erkunden ist eine Gradwanderung zwischen Bewusstsein und Intuition, Fokus und Befreiung, Andacht und Schwung – kurzum, eine besondere, vielseitige Beschäftigung erscheint als zwingend notwendig. Was The Twiolins in dieser Einspielung hören lassen, stützt sich jedoch lediglich auf die oberflächlichen Klangeffekte und die lateinamerikanische Rhythmik, die geradlinig umgesetzt wird. Die Noten werden befolgt.
So verstehe ich das Motto der CD nicht, welche das Duo ins Booklet schreibt: „Um nicht in einer einfachen Kopie zu verharren, war uns klar, dass sich die Eight Seasons weiterentwickeln mussten, durch eine eigene Inperpretation, eine Transformation und Wachstum. Kurz: Eine Evolution war notwendig.“ Ich zumindest entdeckte keine, abgesehen der Arrangements.
Über die musikalische Behandlung hinaus darf jedoch nicht das präzise aufeinander abgestimmte Zusammenspiel verschwiegen werden: Fein aufeinander abgehört und vollkommen d’accord in ihrer Klangvorstellung agieren Marie-Luise und Christoph Dingler in perfekter Harmonie, im gleichen Puls.
Die zu hörenden Arrangements Christoph Dinglers zeugen von guter Kenntnis der Möglichkeiten und Grenzen der Besetzung. Die Stimmverteilung wirkt stimmig. Ob der Notwendigkeit solch einer Bearbeitung für zwei Violinen von Vivaldis Violinkonzerten darf hingegen diskutiert werden, zumal die Tiefen des Basso Continuos fehlen, die doch entscheidend sind für den erdigen, stellenweise beinahe naturalistischen Klang, der den Konzerten innewohnt.
Sonntag,
12. Januar 2020 Herkulessaal Kammerphilharmonie dacapo
Antonio Vivaldi (1676-1741) Die Vier Jahreszeiten (Solist: Simon Luethy, Stefan Moser, Cembalo
Stücke von Johann Strauss (1825-1899)
Es gibt die Welt, so wie sie sich derzeit darstellt, oder dargestellt wird.
Und dann gibt es die völlig andere, die kaum Schlagzeilen macht, die aber der
ungeheuer wichtige Gegenpol ist, ohne den man in absolute Verzweiflung fallen
könnte.
Ich spreche vom Neujahrskonzert der Kammerphilharmonie dacapo am vergangenen Sonntag im Herkuslessaal. Den ersten Teil bildete, wie üblich bei den Neujahrskonzerten der Kammerphilharmonie Vivaldis Vier Jahreszeiten. Der Solist war der kaum zwanzigjährige Geiger Simon Luethy. Ja, das Stück ist ein „Reisser“, ganz klar, aber es wieder und wieder live erleben zu dürfen, zu entdecken, dass es immer neue – bisher nicht gehörte – Zusammenhänge, Verbindungen, Klänge gibt, die bewegen und tatsächlich die anderen Seiten der Welt darstellen, ist Mut machend und zeigt, dass es neben dieser so oft deprimierenden Alltäglichkeit eben doch die andere Seite gibt, für die die neun Musen „gerade“ stehen. Und alles, was mit ihnen zusammenhängt an Kunst und Kultur.
Wie Simon Luethy zusammen mit der Kammerphilharmonie dacapo und ihrem Leiter Franz Schottky dieses Stück zum Erlebnis werden lassen, das ist wieder und wieder Musik „in statu nascendi“, wie der alte Lateiner sagen würde. So unmittelbar, so direkt die lauschenden Besucherinnen und Besucher im vollbesetzten Herkulessaal erreichend und das erleben lassend, was dieser „Preto Rosso“ – so Vivaldis Spitzname, seiner roten Haare wegen – vor über 260 Jahren zum ewigen Thema Jahreszeiten in Musik zu fassen hatte. Das ist und bleibt ein Geniestreich ersten Ranges. Daran orientierte sich eben auch dieses Neujahrskonzert. Und, dass Sinmon Luethy seine Gagliano-Geige – er spielt einen französischen Satori-Bogen -zwischen den einzelnen Sätzen immer wieder kurz und gelassen nachstimmte, lag eben an der besonders sensiblen Qualität seines Instrumentes. Was übrigens besonders eindrucksvoll gelang, waren die Passagen, wo Sologeige und Solocello – Elizabeta Varga – zusammen die intensivsten Zwiegespräche hatten.
Nach der Pause dann Musik von Johann Strauss Sohn, wie sie in einem Neujahrskonzert einfach dazu gehört. Allerdings auch da nicht die allbekannten Schmonzetten, nein, da war Franz Schottky auf Entdeckungsreise gegangen Er präsentierte mit der glänzend aufgelegten Kammerphilharmonie einige selten oder noch nie gehörte Stücke, wie zum Beispiel den Banditen-Galopp op. 378 oder die Polka Francaise op. 336 „Im Krapfenwald‘l“.
In der Zugabe, die natürlich der Radetzky-Marsch sein musste, wechselte die erste Viola- Spielerin Shinnie Lee von der Bratsche zum Schlagzeug und animierte auch so das Publikum zum üblichen Mitklatschen. Ein äußerst aufmerksames, begeistertes Publikum kam in den Genuss, das neue Jahr 2020 mit einer besonders gelungenen Matinee begrüßen zu können, und das ist doch ein wundervoller Auftakt. Franz Schottky bedankte sich bei seinen Musikerinnen wie üblich wieder damit, dass er – der das ganze Programm wieder aufs Amüsanteste moderierte – die ihm zugedachten Blumen großzügig verteilte. Schon am 2. Februar geht es weiter mit einer „Matinee der Romantiker“.
Artis Gitarrenduo (Julia und Christian Zielinski); Musik von Georg Friedrich Händel (1685-1759), Francois Couperin (1668-1733), Sylvius Leopold Weiss (1687-1750), Johann Sebastian Bach (1685-1750), Antonio Vivaldi (1678-1741)
Naxos 8551420; EAN: 73009914203
Seit dem internationalen
Aufstieg des Naxos-Labels haben Gitarren-CDs schon immer eine große Rolle im
Repertoire gespielt. Mal gelungener, mal misslungener, denn bei der klassischen
Gitarre scheiden sich die Geister. Seit Julian Bream dieses Instrument zu einem
vollwertigen „Musik-Vermittler“ gemacht hat, ist es ein Liebling für alle und
jeden geworden, sei es in der Klassik, sei es im Jazz oder in der Pop-Musik.
Was der klassischen Gitarre nicht immer gut bekommen ist, wie man an vielen CDs
sehen resp. hören kann. Denn was bei der Geige oder mehr noch bei der Flöte
selbstverständlich ist, nämlich die mitvollziehbare Gestaltung der Melodie, ist
bei der Gitarre für viele Spielerinnen und Spieler unerreichbar, weil äusserst
schwierig zu verwirklichen, was einerseits in der leichten Handhabung und
andererseits in der absolut schwierigen Verfügbarkeit wurzelt.
Soweit erst einmal die
Vorrede…!
Nun ist bei Naxos eine CD
erschienen, die all’ diese Schwierigkeiten sich in Luft bzw. eben in Musik
auflösen lässt. Was Julia und Christian Zielinski da nämlich mit ihren zwei
Gitarren erleben lassen, habe ich seit dem berühmten Duo Julian Bream/John
Williams nicht mehr gehört: Musik vom Feinsten, gespielt mit allem, was dazu
gehört. Vom ersten bis zum letzten Ton ein hinreißender, dergestalt auch selten
gehörter wunderbarer Klang, wie ihn eben nur zwei – nicht eine – Gitarren
zusammen hervorbringen können. Dazu eine Agogik, die den Melodien und ihren
Harmonien alle Freiräume geben, die gerade die Barockmusik so nötig hat, soll
sie nicht nähmaschinenhaft – wie so oft – abschnurren. Dass die beiden auf
ihren Gitarren wirklich „singen“, was bei ach so vielen „Klassikern“ leider nie
zu hören ist, hebt diese Scheibe aus dem globalen Gitarrenpool himmelhoch
heraus.
Besonders gelungen sind
dabei die Stücke, wo die beiden ihre ganze Innigkeit ausspielen, also die
langsamen Sätze, die oft berückend schön und berührend geraten. Kommt dann die
Geschwindigkeit ins Spiel, zeigen sie
natürlich ebenso ihre stupende Virtuosität. Allerdings ist das dann eben auch
der Punkt, der mich als einziger stört: Dann geht darüber die strukturelle und
musikalische Feinheit ein wenig den Bach runter. Nicht unzutreffend sagte einst
ein Gitarrist, dem immer wieder dieser Satz eines Kritikers einfiel: „Die
Gitarristen mögen sich doch bitte nicht so anstrengen, ein Maschinengewehr ist
doch immer noch viel, viel schneller!“
Fazit: Endlich mal wieder
eine Gitarren-CD, die Musik in sich hat. (Was man von der zeitgleich
erschienenen Naxos-CD „ Beethoven on Guitar“ übrigens nicht sagen kann!)
Michele Barchi
arrangierte die zwölf Concerti, die Antonio Vivaldis in seinem L’Estro Armonico
op. 3 bündelte, für die Besetzung seines Ensembles, Armoniosa, bestehend aus
Cembalo, Orgel, Geige, fünfsaitigem Cello „Piccolo“ und Cello. An den
Instrumenten hören wir Michele Barchi, Daniele Ferretti, Francesco Cerrato,
Stefano Cerrato und Marco Demaria.
Die Drucklegung von Vivaldis L’Estro Armonico 1711 als Opus
3 verhalf dem Komponisten zum internationalen Durchbruch. Interessanterweise
fragte Vivaldi für das Vorhaben nicht in Italien an, sondern suchte sich einen
Verlag in den Niederlanden, was alleine die persönliche Bedeutung dahinter zeigt.
Vivaldi hob die Form des Instrumentalkonzerts auf ein gänzlich neues Level
bezüglich Vielseitigkeit, durchgängiger Qualität, formaler Stringenz und
Ausdrucksstärke. Dies inspirierte zahlreiche Komponisten zu Arrangements oder
eigenen Kompositionen – so unter anderem den damals als Organist in Weimar
tätigen Johann Sebastian Bach, der mehrere der Konzerte bearbeitete. Das zehnte
Konzert arrangierte Bach etwa 20 Jahre später, was den enormen Einfluss dieser
Musik auf ihn unterstreicht.
Bearbeitungen waren zur Zeit des Barocks eine landläufige
Praxis, da zum einen die Ensembles keiner festen Instrumentation unterlagen,
man also entsprechend die Werke für die eigenen Instrumente anpassen musste, und
zum anderen die Musik nicht wie heute als unveränderbarer Monolith betrachtet
wurde. Das Ensemble Armoniosa greift diese Technik auf und bearbeitete die
zwölf Konzerte für ihr fünf Instrumente: Cembalo, Orgel, Geige, fünfsaitiges
Cello „Piccolo“ und Cello. Für die Aufnahmen verwendeten die Musiker insgesamt
sechs Cembali und zwei Orgeln.
Größtenteils funktioniert die Neuinstrumentation prächtig
und entlockt der Kammermusikbesetzung orchestrale Klänge. Lediglich das erste
der Konzerte erscheint mir zu Cembalolastig, da trotz der zwei Manuale die
Kontraste der ursprünglichen Soli verlorengehen, woran auch das etwas gewollte
und somit übermäßige Vortragsweise voll kleiner Verzögerungen nichts ändert.
Doch ab dem zweiten Konzert entfalten sich die Musiker. Die fünf
Instrumentalisten vereinen Spielfreude und akkurates Zuhören, sie achten
aufeinander und passen sich dynamisch präzise an – was nicht immer leicht ist
bei dieser Besetzung. Vor allem gelingt es ihnen, die Musik lebendig entstehen
zu lassen und so dem Klischee des Nähmaschinen-Barock ein Schnippchen zu
schlagen. In wenigen Fällen hört man zwar bei den Tasteninstrumenten eine
standardisierte Wendung heraus, die ihre Wirkung bereits verbraucht hat, doch
machen sie dies durch feine Artikulation schnell wett. Die kräftige Geige aus
dem frühen 19. Jahrhundert macht sich durch ihre Intensität gut in dieser
Aufnahme, eine ältere Geige könnte alleine die Höhe nicht genug ausfüllen
bezüglich des Volumens; die Tiefe wird durch das Wechselspiel des fünfsaitigen
Cellos aus dem späten 19. Jahrhundert und dem Cello aus der Mitte des 18.
Jahrhunderts facettenreich zum Schwingen gebracht.
Das fünfköpfige Ensemble Armoniosa ging in einem verwunschenen Schloss in Piemont in Klausur, um Vivaldis 12 Konzerte „L estro Armonico“ in eigenen Transkriptionen für Kammerbesetzung für eine neue Doppel-CD einzuspielen. Musiziert wurde oft nachts, weil es dann am ruhigsten ist. Ebenso entstand ein Videoclip, der eine tiefgehende visuelle Interpretation der gespielten Musik ist. Hier schwebt der Geist der Musik durch weite Landschaften, beflügelt und entrückt. Vor allem die eingefangenen Lichtstimmungen widerspiegeln eine Welt aus Licht und Schatten, wie sie auch in Vivaldis Konzerten in hoher Verdichtung lebt. Im Gespräch mit Stefan Pieper verrieten der Cellist Marco Demario und der Violinist Franceso Cerrato, an welchen Locations gedreht wurde – und erläuterten darüber hinaus den eigenen Anspruch, aus einer „alten“ Musik eine Botschaft fürs 21. Jahrhundert zu formen.
An welcher traumhaften Location haben Sie dieses Video
aufgenommen?
Marco Demaria:
Die Außendrehs haben wir in den französisch-italienischen Alpen gemacht, und zwar am Lac de Mont Cenis, der auf einer Passhöhe in etwa zweitausend Meter Höhe nahe der italienischen Grenze liegt. Hinzu kamen Landschaftsaufnahmen im Gran Paradiso Nationalpark. Die Innenaufnahmen entstanden im Königlichen Schloss Govone. Es ist der alte Sommerpalast der Königsfamilie aus dem 17.Jahrhundert, wie es hier in Piemont eine ganze Reihe solcher Residenzen gibt. In dem stilvollen Saal dieses Schlosses haben wir übrigens auch unsere Platte aufgenommen.
War es viel Arbeit, diesen Raum zu einem Studio
umzufunktionieren?
Francesco Cerrato:
Oh ja! Wir haben sehr viel Zeit damit verbracht, alles
herzurichten. Es brauchte viele akustische Vorbereitungen, da es überhaupt
keine Dämpfungen an Wänden und Fenstern gab, so dass viele Geräusche von außen
eindrangen. Schließlich haben wir beschlossen, nachts aufzunehmen, weil es dann
ruhiger ist. Auf jeden Fall hat die harte Arbeit sich gelohnt.
Das Video stellt einen intensiven Bezug zwischen der
Musik und der Umgebung her. Welche
Energie geht für Sie von solchen Orten aus?
Marco Demaria:
Die Musik ist ein Teil von uns. Und wir zeigen die Gegend,
aus der diese Musik kommt, von der sie inspiriert ist, denn sie soll Teil der
Schönheit dieses Landes werden. Wir sind sehr glücklich, dass wir in Italien
überall viel Schönheit haben. Wir haben die italienischen Alpen in den Fokus
gesetzt, um auch mal dieses Gesicht von Italien dem Publikum zu zeigen.
Francesco Cerrato:
Die Aufnahmesessions in diesem faszinierenden Schloss waren eine tolle Erfahrung. Wir waren ganz alleine in diesem Schloss, so dass eine unheimlich starke Aura auf uns wirkte. An diesem Ort und zu diesem Zeitpunkt Vivaldi zu spielen, hat unvergleichliche Emotionen frei gesetzt. Wir haben uns jenseits von Raum und Zeit gefühlt.
Marco Demaria:
Dieses Schloss wirkt so echt, so real. Nicht zuletzt, weil
einige Teile des Gebäudes noch nicht renoviert und auch nicht öffentlich
zugänglich sind. Man atmet den Geruch der alten Zeit. Dieser Ort ist einfach
echt.
Der Videofilm ist zu einer tiefen Interpretation der
Musik geworden. War das von Anfang an geplant?
Marco Demaria:
Wir wollten eine Story erzählen. Dies einem Publikum zu
vermitteln ist genauso wichtig wie die Musik selbst. Eine gute PR kostet immer
viel Geld, deswegen sollte man so kreativ wie möglich an die Sache heran gehen.
Es ist ein Glücksfall, dass wir einen so künstlerisch idealistischen
Produzenten wie Alessandro Rota als Freund an unserer Seite haben. Er kennt unsere Fähigkeiten und unsere
Potenziale sehr gut und hat die besten Ideen, ihnen ein Gesicht zu verleihen.
Lassen Sie uns jetzt mal über den Kern der Musik
sprechen! Was ging der Einspielung dieser zwölf
Konzerte voraus?
Francesco Cerrato:
Wir sind ursprünglich von einem großen Ensemble ausgegangen, wie es noch auf der ersten Platte zu hören ist. Mittlerweile hat sich unsere spezielle fünfköpfige Besetzung heraus kristallisiert. Seitdem loten wir immer neue Möglichkeiten aus und da rückten schließlich die Konzerte aus „L’estro Armonico“ in den Focus. Michele Barchi, unser Cembalospieler hat die ganzen Transkribierungen vorgenommen und über dieses Projekt viele Jahre nachgedacht. Was für neue interessante Klangaspekte lassen sich mit unserer Besetzung realisieren, lautete hier eine spannende Frage. Wie kann man es schaffen, diesen berühmten Zyklus mit einem kleinen Ensemble zu realisieren, dass am Ende wirklich große Musik herauskommt? Es taten sich bei der Erarbeitung immer neue Möglichkeiten und Aspekte auf, unser ganzes Potenzial zu entfalten.
Wie fühlen Sie sich in der Konkurrenz zu den zahllosen
anderen Barockensembles, die auch alle Vivaldi spielen?
Francesco Cerrato:
Ich glaube, diese Besetzung, diese Aufnahme und diese Neuarrangierungen
sind allesamt genug Antworten auf diese Frage. Wir haben das gute Gefühl, einen
neuen, anderen Weg gegangen zu sein.
Marco Demaria:
Man kann mit einer solchen Produktion auch immer die
Qualität des Materials aus einem neuen Blickwinkel heraus definieren. Vivaldi,
einer der größten Namen aus der Barockzeit, wird in unserer individuelle Lesart
in seiner Größe und Ausstrahlung einmal mehr bestätigt. Auch das Verhältnis von
Vivaldi zu Bach eine thematische Idee des Projekts. Bach hat bekanntlich diese
Konzerte transkribiert und diese Transkriptionen fließen ja auch in die neuen
Arrangements mit ein, vor allem was die Parts für Cembalo bzw. Orgel betreffen.
Wir haben zwei Jahre lang an diesem Projekte gearbeitet – jetzt haben wir das
gute Gefühl, dass etwas sehr persönliches dabei heraus gekommen ist.
Wie würden Sie Ihren eigenen Stil charakterisieren?
Marco Demaria:
Wir haben mit Reinhard Goebel und Trevor Pinnock gearbeitet,
das sind viele Erfahrungen, die uns immer zu Gute kommen. Bei allem sind wir
Italiener mit italienischen Prinzipien. Trotzdem bemühen wir uns um eine
emanzipierte Haltung gegenüber Dogmen und so mancher inflationärer Tendenz. Es
gibt ja viele Konventionen, Meinungen und Moden, etwa wenn es um Akzentierungen
in der Barockmusik geht. Wir wollen in dieser Hinsicht schon unter
italienisches Gepräge nicht verleugnen, zollen aber zugleich der Partitur
höchsten Respekt.
Was ist die Botschaft dieser Musik für die Gegenwart?
Marco Demaria:
Unsere Hauptbotschaft soll sein: Diese Musik lebt. Zu Beginn
nannten wir uns „Armoniosa Barock Ensemble“. Jetzt heißen wir einfach nur
Armoniosa. Barock ja – aber diese Stilschublade ist so behaftet mit
Konnotationen. Mit diesen aktuellen Transkriptionen zeigen wir unter anderem
auf, was Bach für Tasteninstrumente mit Vivaldis Musik gemacht hat. Die Musik berührte immer sehr unmittelbar in
ihrer spezifischen Zeit. Bach wollte, dass sein Publikum ihm zuhörte. Wir
wollen unsere eigene Botschaft herausholen, um diese Musik in heutiger Zeit
lebendig zu machen. Auf keinen Fall wollen wir kopieren oder gar etwas museales
oder archäologisches betreiben. Wir gehen dafür mit den Fertigkeiten des 21.
Jahrhunderts an diese Sache heran. Das schließt keineswegs die korrekte
Kenntnis der Regeln, Prinzipien und Theorien aus, denen wir höchsten Respekt
zollen. Wir respektieren, was Vivaldi wollte, was in der Partitur steht. Wir
bearbeiten Bachs Partituren, um sie auf neue Weise für Vivaldis Botschaft zu
öffnen. Damit diese im 21. Jahrhundert neu erfahrbar wird!
Francesco Cerrato:
Ich sage es noch direkter: Wir lieben diese Musik einfach
sehr. Wir haben sehr viel Leidenschaft, genießen diese Musik und wollen diese
Leidenschaft beim Publikum wecken. Wenn die Zuhörer diese Musik genauso lieben
wie wir, dann haben wir ein Ziel erreicht. Musik eine Sprache und Vivaldis
Musik ist unsere Sprache. Wir können dem Publikum Geschichten erzählen. Wir
können in unserer Sprache mit den Menschen sprechen.
Wie sehen Sie das Verhältnis zwischen populärer und
klassischer Musik in Italien?
Francesco Cerrato:
Generell kommen relativ wenig Leute in Konzerte, um
Barockmusik zu hören. Das große Publikum hat gar keine Ahnung über klassische
Musik. Da sind die typischen Vorurteile: Barockmusik sei langweilig und es gibt
sie nur in der Kirche. Viele Menschen sind dann plötzlich sehr überrascht, wenn
sie in unseren Konzerten zum ersten Mal erleben, was für ein Spaß diese Musik
verströmt. Für solche Erlebnisse sind Vivaldis Konzerte natürlich
prädestiniert. Musik aus dieser Zeit hat eine unglaubliche Direktheit. Man kann
hier so viel erleben und sich mitreißen lassen. Es gibt hier noch nicht die
ganze Komplexität wie in der Musik des 19. Jahrhunderts. Das ist unsere große
Chance, um viel ungeahnte musikalische Frische zu erzeugen!
Fumito Nunoya spielt Konzerte für Marimba: Das Programm beginnt mit Antonio Vivaldis C-Dur-Konzert RV 433, welches ursprünglich für Flautino komponiert wurde. Hiernach hören wir das Konzert für Marimba und Streicher des 1961 geborenen Franzosen Emmanuel Séjourné und schließlich das Marimbakonzert „The Crossed Sonar Of Dolphins“ von Takatomi Nobunaga, der 1971 in Tokyo auf die Welt kam. Nunoya wird begleitet vom Kurpfälzischen Kammerorchester unter Johannes Schlaefli, in Nobunagas Konzert unterstützt von Benyamin Nuss am Klavier.
In die Kunstmusik fand die Marimba erst spät Einzug,
wenngleich es bereits Belege für das Instrument aus dem Jahr 1680 gibt. Vom
heutigen Guatemala aus verbreitete sich die Marimba schnell in mehreren Ländern,
wobei immer wieder neue Bauformen auftraten – auch nach Japan gelangte das
Instrument recht früh. Popularität erreichte die Marimba im 20. Jahrhundert,
als unter anderem Steve Reich und Harald Genzmer Werke für sie komponierten und
The Rolling Stones sie in „Under my thumb“ verwendeten.
Auf der vorliegenden CD hören wir zwei Originalkompositionen
für die Marimba sowie das Flautinokonzert C-Dur RV 433 von Antonio Vivaldi,
wozu die Schlagwerkstimme allerdings ebenso vortrefflich passt. In diesem
Konzert minimiert Nunoya den Hall seines Instruments weitgehend und achtet auf
präzise Linien, denen er ein gutes Maß an Kernigkeit verleiht, und dennoch
weich bleibt. Lange Noten verziert er mit Trillern und kleine Verzierungen,
passt den Klang der Marimba allgemein dem Ideal der Barockzeit an.
Emmanuel Séjournés Konzert für Marimba und Streicher zählt
mittlerweile zu den Klassikern für das Instrument. Ein romantischer Schleier
durchzieht das gesamte Werk, besonders Rachmaninoff gibt sich als Einfluss zu
erkennen. Das Konzert ist idiomatisch für die Marimba konzipiert, erkundet das
Instrument in allen Registern und schöpft dessen Möglichkeiten aus. Nunoya
entlockt der Marimba einen singenden und zarten Ton, lässt teils gar die
perkussive Funktion des Instruments zugunsten der Melodieelemente vergessen.
Zuletzt geht die Reise nach Japan zu Takatomi Nobunagas
Marimbakonzert, welches den Titel „The Crossed Sonar Of Dolphins“ trägt. Die
Bildlichkeit dieses Werks übersteigt bloße Programmatik, taucht eher ein in die
Naturalistik: Man glaubt förmlich, Delphine zu hören, Wellen zu sehen und das
Meer zu riechen. Nobunagas Musik lässt sich schwer einer Schule oder einem Stil
zuordnen, er schafft vollkommen eigene Sphären und Regeln, die dem Instinkt wie
auch der Sinnlichkeit unterliegen. Nunoya gibt die Rolle des Solisten auf, fügt
sich als gleichberechtigter Mitstreiter ins Kurpfälzische Kammerorchester ein,
wirkt als Einheit mit den Streichern und dem Klavier, das Benyamin Nuss
beisteuert. So entsteht eine Symbiose aus drei gänzlich unterschiedlichen
Klangcharakteren, die sich vermischen und vermengen, dabei immer wieder neue
Facetten und Kombinationen zutage fördern.
Kammerphilharmonie
dacapo München am Sonntag, 20. Januar im Herkulessaal
Solisten: Thomas Albertus Irnberger, Violine;
Brigitta Simon, Koloratur-Sopran; Dirigent: Franz Schottky
Antonio Vivaldi (1678-1741): Die Vier Jahreszeiten, op. 8 1-4; Johann Strauß (1825- 1899): „Leichtes Blut“ Polka schnell op. 319, „An der schönen blauen Donau“ op. 314 (mit Sopran), „Frühlingsstimmenwalzer“ op. 410 (mit Sopran); Franz Lehár (1870-1948): „Ballsirenen“; Josef Strauß (1827-1870): „Ohne Sorgen“ Polka schnell op. 271, „Extempore“ Polka francaise op.241; Eduard Strauß (1835-1916): „Wo man lacht und lebt“ Polka schnell op. 108
Im ausverkauften Herkulessaal hören wir das Neujahrskonzert der
Kammerphilharmonie dacapo, ein gelungener und ansprechender Einstieg ins Neue
Jahr. Natürlich kennt man Vivaldis Vier Jahreszeiten, aber diese wundervollen
vier Violin-Konzerte live zu erleben mit dem jungen und durchaus musikalischen
Geiger Thomas Albertus Irnberger aus Österreich, das ist schon etwas Besonderes.
Noch dazu, wenn Dirigent Franz Schottky in seinen launigen und sehr
informativen Ansagen auf die geschickt in der Partitur versteckten programmatischen
Einzelheiten hinweist: Hundegebell, krabbelnde Insekten, Gewitterwolken und
andere Naturereignisse finden sich in den Noten. Da ist sie dann wieder, diese
ansprechende – im wahrsten Sinn des Wortes – Stimmung, die die Konzerte der
Kammerphilharmonie auszeichnet. Dass Thomas Albertus Irnberger auf seiner
Stradivari von 1712 – aus der sogenannten „Goldenen Epoche“ des Meisters, mit
dem Bogen des Dresdener Bogenmachers Hans-Karl Schmidt – bei Vivaldis Musik in
seinem Element war, hörten wir vom ersten Ton der Frühlingsmelodie. Alle übrigen
„Beschreibungen“ der einzelnen Jahreszeiten gelangen genauso überzeugend und
beeindruckend. Das Orchester assistierte und begleitete intensiv und ungeheuer
aufmerksam, gleich ob nur Geige und Solocello, oder nur die oberen Streicher
die Musik mit dem Solisten zusammen entstehen ließen, es war ein wunderbares
Erlebnis, diese scheinbar so vertraute Musik im lebendigen Musikwerden zu hören.
Großer Beifall für alle Beteiligten, besonders aber für den souveränen
Sologeiger.
Nach der Pause dann die – fast schon obligaten Stücke – der Brüder Strauß, unterbrochen nur durch die
„Ballsirenen“ von Franz Lehár, die wieder einmal treffend zeigten, was für
ein großartiger Melodiker Lehár war. Die zwei wohlbekannten Walzer, der von der
blauen Donau und der von den Frühlingsstimmen, hörten wir in der ursprünglichen
Fassung mit Koloratursopran und Streichorchester. Die aus Ungarn stammende
junge Sängerin ließ ihre Stimme, den Kompositionen entsprechend, von der Tiefe
bis in die höchsten Höhen jubelnd und mitreißend erklingen. Bravos und riesiger
Beifall, das Publikum war begeistert. So klingen die beiden Stück doch neu und
unerwartet. Die vier anderen Stücke der Strauß-Brüder waren alles andere als Lückenfüller;
beim letzten, der Polka Francaise kamen unerwartet die Tänzerinnen und Tänzer
der Ballett-Schule Dana Kalicinska mit auf die Bühne. Zusammen schufen sie ein überwältigendes
Ende eines fabelhaften Neujahrs-Konzertes, dem natürlich als richtiger
Abschluss der Radetzky-Marsch mit Publikums-beteiligung nicht fehlen durfte.
Antonio Vivaldi (1678-1741): Concertos op. 8 Nr. 1-4 „Le quattro stagioni“ 1725; Roxanna Panufnik (*1968): Four World Seasons 2007-2011
BBC Symphony Orchestra; Graham Bradshaw, Tibetian Singing Bowl; Bradley Creswick, Leader; David Wright, Harpsichord; TASMIN LITTLE, Violin & Conductor
Chandos, CHSA 5175; EAN: 0 95115 51752 9
„Oh, je! Schon wieder eine CD mit Vivaldis Jahreszeiten“, seufzt der befangene Rezensent, allerdings gekoppelt mit einer Komposition von Roxanna Panufnik, der 1968 geborenen Tochter des polnisch-englischen Komponisten Andrzej Panufnik (1914-91), das ist natürlich etwas anderes, oder? Und in der Tat, dies ist nicht die x-te Runterspielung des Violinvirtuosen-Stücks par excellence, da hat sich die Geigerin – und Dirigentin – Tasmin Little eine ganze Menge Gedanken gemacht, die sie im sehr gut produzierten Booklet auch ausführlich zum Besten gibt.
Und herausgekommen ist: Eine Neueinspielung, die einen sofort mitnimmt, die überzeugt und begeistert. Natürlich ist das alles bekannt bis in die…. eben nicht! Denn das ist ja ein Verdienst der CD, dass sie es ermöglicht, verschiedenste Aufnahmen miteinander zu vergleichen und sich die subjektiv ansprechendste auszuwählen. Und diese neue gehört auf jeden Fall in die Kategorie „Lieblings-Aufnahmen“.
Das liegt sicher am Beitrag des Cembalisten David Wright, der seinen Part eben auch dazu verwendet, eigene Ideen in die sonst so langweilige Partie zu bringen.
Ein wenig anders sieht es allerdings beim zweiten Stück der CD aus: bei der Komposition „Four World Seasons“ von Roxanna Panufnik. Die Idee, verschiedene Jahreszeiten und ihr musikalisches Korrelat vier verschiedenen Ländern zuzuordnen, ist sehr schlüssig. Die Reihenfolge der Jahreszeiten folgt eben nicht der üblichen, auch von Vivaldi verwendeten, sondern beginnt im Herbst und in Albanien. Der erste Satz – „Autumn in Albania“ ist ihrem Vater gewidmet, der, wie sie schreibt: „… geboren, geliebt und gestorben im Herbst“. Er verwendet als Grundlage zwei albanische Melodien, einen Tanz und ein Liebeslied, und ergibt eine Komposition, die Orchester und Solistin wunderbar realisieren.
Dann die Winterzeit – es wird eine alte tibetanische Melodie auf zweifache Weise herangezogen, einmal in einer kunstvollen, dann in einer Nomaden-Version. Als Grundklang wird eine tibetische Klangschale verwendet. Das Stück fasziniert und nimmt gefangen.
Die beiden weiteren Stücke „Spring in Japan“ und „Indian Summer“ sind zwar durchaus spannende Kompositionen, die mich persönlich allerdings nur teilweise begeistern, denn die Strukturen sind – verglichen mit den beiden ersten Stücken – zu zerfahren oder „beliebig“, was vielleicht aber auch an den tonalen Vorlieben des Rezensenten liegen mag.
Im Ganzen offeriert diese CD ein Hörerlebnis, das neue Wege zu scheinbar altbekannten Stücken und zu Unbekanntem öffnet.
Ein vielgespieltes Programm lässt die Violinistin Liv Migdal auf ihrer nunmehr dritten CD-Aufnahme mit frischer Lebendigkeit erstehen: Die vier Jahreszeiten von Antonio Vivaldi (Le Quattro Stagioni Op. 8 No. 1-4) und die Einrichtung derjenigen von Astor Piazzolla (Las Cuatro Estaciones Porteñas). Nach zwei Duettaufnahmen mit ihrem Vater Marian Migdal ist es ihr CD-Debüt als Solistin mit Orchester, es spielt das Deutsche Kammerorchester Berlin.
Die Kraft dieser jungen talentierten Künstlerin ist beeindruckend! Die Stärke zu besitzen, so kurze Zeit nach dem Tod ihres Vaters eine CD mit lebensbejahender, freudiger und funkelnder Musik aufzunehmen, sollte allen Mut machen, welche so eine schwierige Situation am eigenen Leib verspürten oder noch verspüren. Marian Migdal war nicht nur ihr Vater, er war auch ihr langjähriger Kammermusikpartner und Hauptquelle für ihre musikalische Entfaltung – seine Aufnahmen von bekannter wie von unbekannter Musik dienen bis heute als unbestechliche Referenz, seine Natürlichkeit, sein langer Atem in der Phrasierung und sein Gespür für das richtige Maß bezaubern über seinen Tod hinweg. Und die Musik ist es, die immer über Leben und Tod zu erzählen vermag, wie Liv Migdal in ihrem Booklettext schrieb, und so übertitelte sie denn auch trefflich mit „Auf das Leben!“
Le quattre stagioni des Italieners Antonio Vivaldi und das Tango-Gegenstück Las Cuatro Estaciones Porteñas des Argentiniers Astor Piazzolla wählte sie für dieses Album mit dem Deutschen Kammerorchester Berlin; zwei Werke, die so stark verbunden sind in ihrem außermusikalischen Bezug und dabei so grundverschieden in Stil, Instrumentenbehandlung, Aufbau und Charakter. In beiden Werken zentral ist das ständige Mit- und Gegeneinander, Annäherung und Distanzierung der beiden elementaren Kräfte, des Solisten und des Ensembles. Eben dies bildet auch den Kern der Darbietung von Liv Migdal und des Kammerorchesters Berlin, was sich alleine schon an der Abmischung zeigt, die die Sologeige nicht ungebührlich in den Vordergrund stellt, sondern im Einklang mit den Ensemblemusikern agieren lässt.
Wie bereits in ihren vorherigen Alben besticht Liv Migdal durch reinen, sanften und absolut „gehörten“ Ton, der sich neben makelloser technischer Perfektion auch durch musikalisch-inhaltliche Abgestimmtheit auszeichnet. Migdals Horizont reicht vom zart empfundenen Pianissimo bis zur aufbrausenden Expressivität, die jedoch niemals ihre Fülle und Klangschönheit einbüßt. Sie beweist eine enorme Wandelfähigkeit je nach den Forderungen der Musik, eine chamäleonhafte Flexibilität, und kann sich auf jede neue Situation nahtlos einstellen. Wie schon ihr Vater hat sie eine wohltuende Natürlichkeit sowie eine unprätentiöse musikalische Auffassungsgabe und versteht es, lange und intensive Bögen von fein abgestimmter Phrasierung zu gestalten. Besonders bemerkenswert ist Migdals Vibrato, welches von erlesen weiter Ausdrucksvielfalt geprägt ist: Ihr gelingt es, dieses Mittel spontan und entsprechend der musikalischen Sinnhaftigkeit einzubringen, oft über große Strecken überhaupt nicht, dann wieder ganz spärlich, auf ausdrucksvollen Tönen stärker, manchmal auf einen Ton erst anschwellend oder gegen Ende verklingend, immer den Gegebenheiten entsprechend.
Auch als musikalische Leiterin des Deutschen Kammerorchesters Berlin versteht es Liv Migdal – neben der überzeugenden solistischen Darbietung -, die Musiker zu einer ausgewogenen Linienführung anzuregen und dynamische Feinheiten zu erreichen. Lediglich in den Passagen, wo Migdal solistische Höhenflüge hat und das Orchester auf sich allein gestellt ist, gerät die Begleitung tendenziell etwas fahl, vor allem in den langsamen Sätzen von Vivaldi. Doch kaum ist Liv Migdal wieder im Tutti dabei, wird die Gestaltung schon wieder lebendiger, der Klang fokussierter. Das Wechselspiel zwischen Solistin und Ensemble ist genauestens aufeinander abgehört und lässt sie auf ganz natürliche Weise aus dem Tuttiklang hervortreten und wieder in diesen zurückkehren.
Piazzolla gerät schwungvoll und mit großem Elan, auch mit einer stimmigen Prise Melancholie und Verträumtheit. Natürlich hat das hier nicht den ausgelassenen Schwung und die vehemente rhythmische Prägnanz, welche lateinamerikanische Künstler dem Werk angedeihen lassen können, aber dies ist auch nicht zu fordern. Beachtlich ist, wie deutlich die Bezüge und Anspielungen auf Vivaldis Werk hervortreten, von denen die meisten in zahlreichen Einspielungen im Verborgenen bleiben.
Ein gutes, nicht zu üppiges Maß an historisierend barocker Spielweise wird Le Quattro Stagioni von Antonio Vivaldi zuteil. Es wird mit durchaus markantem Ton genommen, doch gleichermaßen lyrisch, ohne dass es je zu trocken steril oder zu romantisch verträumt wäre. Die in der Partitur vermerkten Programmhinweise werden ohne Überakzentuierung befolgt und zum Ausdruck gebracht.
Der musikalische Stern ihres Vaters ist viel zu schnell hinter dem Horizont entschwunden, doch steigt derjenige von Liv Migdal immer weiter empor und lässt sie zweifelsohne als eine würdige Nachfolgerin dieses großartigen Musikers, dessen Verlust zugleich ein unersetzlicher Verlust für die Musikwelt ist, erscheinen. Schließen wir uns ihrem Motto an und rufen: Auf das Leben!
Die Salzburg Chamber Soloists sind zusammen mit ihrem Gründer, Leiter und Violinsolisten Lavard Skou Larsen auf ihrer bei Coviello Classics soeben wiederveröffentlichten CD „8 Seasons“ mit Le Quattro Stagioni von Antonio Vivaldi und dem argentinischen Pendant von Astor Piazzolla, Las Cuatro Estaciones Porteñas, zu hören.
Mit Begriffen wie „hervorragend“, „ausgezeichnet“ oder „perfekt“ sollte man heute mehr denn je sparsam umgehen, denn fast keine noch so gute Einspielung hat einen dieser Begriffe wirklich verdient. Wenn jedoch einmal eine CD dieser Adjektive würdig ist, dann zweifelsohne vorliegende Einspielung der vier Jahreszeiten Antonio Vivaldis und Astor Piazzollas.
Wohl kaum ein Violinkonzert ist so häufig gespielt und aufgenommen wie die ersten vier der insgesamt acht Solokonzerte Op. 8 von Antonio Vivaldi, die zusammen die Tetralogie „Le Quattro Stagioni“ bilden. Gerade in Zeiten der so genannten historisch informierten Aufführungspraxis erlebt man bei diesen Werken immer wieder nicht sonderlich viel Neues, die üblichen Darbietungen sind weich gezeichnet ohne Sinn für Kontraste, die malerischen Effekte verschwinden unter einer alles verdeckenden Solostimme, und das Ganze ist auf rein äußerliche Schönheit (statt musikalischem Gehalt) in routiniertem Schema gespielt. „8 Seasons“ mit Lavard Skou Larsen und den Salzburg Chamber Soloists kommt in dieser ins Stocken geratenen Tradition einer Renaissance gleich, oder einer Revolution, und parallel dazu einer kompletten Neuschöpfung. Bereits die ersten Takte öffnen das Tor in eine andere Welt, wie ich sie bisher so nicht zu hören bekam. Von Anfang an erlebt der Hörer eine immens fein ausgestaltete Dynamik mit brillanter Artikulation und einem tiefen Bewusstsein für jedes noch so kleine musikalische Phänomen darin. Die Phrasen werden leicht und vornehm ohne künstliche Betonungen abgerundet und von einem spielerisch diskreten statt wie so oft aufdringlichen Cembalo gestützt. Der Einsatz des Solisten Lavard Skou Larsen wirkt ebenso unmittelbar: Wie irritiert torkelnd erscheint die technisch lupenreine und klangvolle Geigenstimme, als sie plötzlich in dieses Geschehen hineingeworfen wird. Der auf diese Art wohl bis heute einmalige Soloeinsatz, der statt solistischem Aufglänzen zu Beginn eine klar intendierte Verwirrung darstellt, ist für mich erstmalig auch genau als diese erkennbar. Die vier Jahreszeiten, wie so oft bei Vivaldi in formaler Hinsicht keine Höchstleistung, zeichnen sich vor allem durch interessante und noch heute noch neuartig wirkende Klangeffekte aus, besonders auffallend in den Mittelsätzen von Primavera und Estate. Während Skou Larsen mit feinfühlig ausgestalteten Melodien und virtuosen Läufen brilliert, lassen sich die Salzburg Chamber Soloists nicht von dem Schönklang anstecken, sondern kontrastieren gar mit teils krassen Geräuscheffekten und lassen eine leuchtend ausgekleidete Landschaft um das solistische Individuum entstehen. Alle Musiker sind bereit, auch einmal herbe Töne anzustoßen, und so können sie ungeahnt machtvoll erscheinen auch in der Kammerbesetzung. Durchgehend achten die Künstler auf Kontraste und feinste Nuancen in der Musik, die die Klangfinessen eines großen Symphonieorchesters in kleiner Aufstellung heraufbeschwören können, beispielsweise wird im dritten Satz des Frühling ein Dudelsack mit charakteristischem Orgelpunkt täuschend genau nachgeahmt. Hier werden die Noten nicht stur heruntergespielt, sondern sie sind minutiös erarbeitet, jede noch so kleine Feinheit ist abgewogen, gefühlt und bewusst, und es kommt dem Hörer vor, als würde hier dieses bekannte Werk zum ersten Mal überhaupt erklingen, so spontan, unbelastet und frei erscheint es, stets mit innigstem Gefühl und vollster Spielfreude.
Noch weiter kann die Reise kaum gehen, als zum zweiten Werk dieser Einspielung, wiewohl gewisse Parallelen bestehen: Von Europa nach Lateinamerika, vom Barock ins 20. Jahrhundert. Las Cuatro Estaciones Porteñas von Astor Piazolla wurden vom Cellisten José Bragato aus dem Ensemble Piazzollas instrumentiert, da dieser selbst ein weniger beschlagener Instrumentator gewesen sein muss, wie der Autor des informativen und eingängig zu lesenden Booklettextes, Gottfried F. Kasparek, erklärt. Sofort verschlagen die vier Stücke des Zyklus den Hörer in ein unverwechselbar argentinisches Milieu, wo einen herbe Klänge und kratzige Geräuscheffekte sowie auftreibende Rhythmen erwarten. In gleicher Besetzung wie bei Vivaldi (mit der Ausnahme, dass Elena Braslavsky nun am Klavier statt am Cembalo sitzt) entführen die Musiker nun in gänzlich neue Sphären. Der gebürtige Brasilianer Lavard Skou Larsen hat zwar einen gewissen Heimvorteil mit der Musik aus seinem Nachbarland, doch dass auch sein gesamtes Ensemble, die Salzburg Chamber Soloists, einen so natürlich lateinamerikanischen Klang vermitteln können, dass kein Zweifel zu bestehen schiene, dass alle Musiker aus diesen Landen kommen, ist erstaunlich. Die Rhythmik ist derart prägnant und griffig, der Klang wie ausgetauscht in unbändige Wildheit mit einem bewussten Hang zur Geräuschhaftigkeit, und die gesamte Atmosphäre unmittelbar glaubwürdig. Es steckt eine gewaltige Kraft und Energie in all diesen Stücken, stets gepaart mit einer äquivalenten Portion Spiel- und Lebensfreude, und dennoch werden auch die sanften Passagen intensiv durchlebt. So ungebändigt es vielleicht auf den ersten Eindruck wirken mag, ist hier doch alles minutiös ausgearbeitet und ausgestaltet, so dass die detailliert abgestimmte Synchronizität zwischen musikalisch lange einstudierter Finesse und spontaner Wirkung einfach zündet. Hier kommen alle Musiker voll zum Zuge, auch die bei Vivaldi vor allem im Hintergrund agierende Pianistin kann hier ihren gleichmäßig abgestimmten, warmen und perligen Anschlag, dem in gleichen Maßen Lyrik und Energie innewohnt, mit großem Gewinn einbringen. Angenehm ist, dass sie keinerzeit Staccati zu kurz nimmt und sich so in den Streicherkörper ideal integriert, dessen Klang sie wunderbar aufgreift und als gleichwertige Partnerin in ihr Spiel integriert.
Wenn man sich nicht gerade in München oder Köln befindet, so hat ein Jahr bekanntlich vier Jahreszeiten, und zwei solcher Jahreszyklen wurden hier für Coviello Classics in Live-Aufnahmen eingefangen. Und beide so extrem unterschiedlichen Zyklen sind in solch einer bestechenden Qualität von technischer und künstlerischer Perfektion eigentlich sonst nie zu hören. Für mich zwei absolute Referenzaufnahmen, die alle Vorgänger turmhoch überragen.
Julia Lezhneva
Alleluja
Il Giardino Armonico / Giovanni Antonini
Antonio Vivaldi ( 1678-1741) Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Nicola Porpora (1686-1768) Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Decca 478 5242
ISBN: 0 28947 85242
Alleluja (Lobet Jehovah) ist der Titel dieser CD, die für mich eigentlich so etwas wie eine „CD des Jahres“ ist, auch wenn sie schon 2013 erschien – jetzt erst landete sie als Geschenk auf meinem Gabentisch.
Um es gleich vorweg zu sagen: So berührend, ergreifend, frohmachend und herzerfüllend habe ich schon lange keine Sopranistin mehr singen – besser jubeln – gehört wie die junge, damals 23-jährige russische Sopranistin aus dem fernen Sachalin. Zusammen mit dem Ensemble „Il Giardino Armonico“ unter seinem Leiter Giovanni Antonini gelingt hier eine ungeheuer musikalische Aufführung von vier Motetten, die jeweils mit einem „Alleluja“ enden. Als erstes eine tieftraurige, melancholisch-dramatische Komposition von Antonio Vivaldi, „In furore iustissimae irae“, ein eher wenig bekanntes Werk, das in der eindrucksvollen Kombination aus Schnelligkeit und Verhaltenheit – besonders im zweiten Satz – die ganze Bandbreite von Antonio Vivaldis Ausdrucksspektrum vorstellt. Es folgt die Motette „Saeviat tellus inter rigores“ von Georg Friedrich Händel: auch hier wieder eine gelungene Mixtur aus virtuosen und getragenen Passagen, bei der Julia Lezhneva alle Register ihrer meisterhaften Stimmführung und -beherrschung zeigen kann, allerdings immer im Sinne der Frau Musica und nicht als Ego-Trip wie bei so vielen anderen Sängerinnen und Sängern.
Ihre Stimme ist auch in den bewegtesten Koloraturen leicht, sehr obertonreich, und dabei spürt man, dass sie eben keine Mädchenstimme hat, sondern trotz ihrer Jugend mit all ihrer Leiblichkeit und Körperlichkeit singt. Die hohen Töne kommen nicht als abgesetzte „Spitzentöne“, sondern im Zusammenhang der Bögen, zu denen diese entweder hinführen oder als deren Höhepunkt den Abfluss der Linie einleiten. Und all das „getoppt“ von einem Jubel-Laut im Singen, der besonders ans Herz rührt.
Obwohl ich ja sonst eine Lanze breche für die langsamen Tempi, die heute von den allermeisten Künstlern nicht adäquat erfasst werden – was sicher auch am vielen „Üben“ und am wenigen „Nachsinnen“ liegt – bin ich immer wieder überrascht, mit welchen Geschwindigkeiten das italienische Ensemble aufwartet. Und zwar nicht nur schnell, sondern dabei eben auch wunderbar phrasierend, allen Phänomenen gerecht werdend, und ebenso schnell vom Bewusstsein und vom Geist her. Mir fällt als positives Beispiel immer wieder auch der Jazz-Pianist Cecil Taylor ein, der eben nicht nur rasende Geschwindigkeit zaubert, sondern die nötigen geistigen Voraussetzungen für diese Tempi und die dann immer noch unerlässlichen und verständlichen Phrasierungen mitbringt.
Dann entstehen wie auf dieser CD Momente des Glücks und der Beschwingtheit, die süchtig machen können. Und zwar bei allen vier Stücken, von denen das von Nicola Porpora einen weniger bekannten, sehr melodiösen Komponisten vorstellt.
Dass die inzwischen berühmte Vivaldi-Aufnahme von Cecilia Bartoli bei der 11- oder12 jährigen Julia den speziellen „Kick“ auslöste, davon erzählt die junge Russin, aber eben auch von der Zusammenarbeit mit Giovanni Antonini, von der sie sicher umfassend profitierte.
Natürlich ist mit „Exsultate, iubilate“ von Mozart ein besonderes „Schmankerl“ an den Schluss dieser außergewöhnlichen Scheibe gesetzt, der auch ein mehrsprachiges Booklet mit allen Motetten-Texten beigefügt ist.
So küre ich mit Dank und Freude diese CD zu meiner „CD des Jahres 2015“ und bin gespannt darauf, was wir noch alles von Julia Lezhneva zu hören bekommen werden.
